20세기 초 유럽 클래식 음악계는 미국 재즈라는 새로운 자극에 눈을 뜨기 시작했습니다. 프랑스 작곡가 모리스 라벨(Maurice Ravel, 1875-1937)은 이러한 시대적 흐름 속에서 재즈의 매력에 깊이 빠져들었고, 그의 후기 대표작 《피아노 협주곡 G장조》에 이를 독창적으로 녹여냈습니다. 라벨이 파리의 카바레와 미국 연주 여행을 통해 경험한 재즈는 단순한 모방이 아닌, 프랑스적 정체성과 결합된 새로운 음악 언어로 재탄생했습니다.
재즈 영향
라벨이 재즈를 접하게 된 경로는 크게 두 가지로 나뉩니다. 첫째는 파리 몽마르트(Montmartre)에 있는 윌리엄 샥(William Shack)의 카바레를 비롯한 파리의 밤 문화를 통한 간접적 체험이었습니다. 아비 오렌슈타인(Arbie Orenstein, 1937-)이 언급했듯이 라벨은 작곡할 때는 은밀했지만 파리의 밤 문화, 재즈, 군중들을 즐겼습니다. 둘째는 1928년 4개월간의 미국과 캐나다 연주 여행을 통한 직접적 경험이었습니다. 이 시기 라벨은 조지 거쉰(George Gershwin, 1898-1937)과 친밀하게 교제하며 서로의 작품에 찬사를 보냈고, 할렘(Harlem)의 코튼 클럽(Cotton Club)에서 거쉰의 음악과 다양한 재즈곡들을 들었습니다. 또한 뉴욕(New York City)의 리데르크란츠 홀(Liederkranz Hall)에서 빅스 바이더벡(Bix Beiderbecke, 1903-1931)과 폴 화이트먼(Paul Whiteman, 1890-1967)의 재즈 오케스트라 녹음을 듣는 등 재즈를 깊이 있게 경험했습니다.
라벨은 1928년 미국 음악평론가 올린 다우네스(Olin Downes, 1886-1955)와의 인터뷰에서 "많은 미국 현대인들보다 자신이 재즈를 더 소중하게 여긴다"고 주장하며, 미국인들이 재즈를 저렴하고 저속한 것으로 간주한다고 비판하기도 했습니다. 그의 동생 에두아르(Édouard Ravel, 1878–1960)에게 보낸 편지에도 뉴욕, 미니애폴리스(Minneapolis), 오마하(Omaha)를 지나며 재즈를 경험한 내용이 담겨 있었습니다. 이처럼 라벨의 재즈에 대한 열정은 단순한 호기심을 넘어선 것이었습니다. 그는 동료 작곡가들을 위해 "누구도 오늘날의 리듬을 부정할 수 없으며, 내 최근 음악은 재즈의 영향으로 가득 차 있다"고 주장할 정도로 재즈를 옹호했습니다.
그러나 중요한 것은 라벨이 재즈를 그대로 모방하지 않고 '선별'하고 '채택'하여 자신의 음악에 반영했다는 점입니다. 그는 "나의 음악적 사고는 전적으로 국가적인 것"이라고 강조하며 프랑스 정체성을 유지했습니다. 이러한 절충적 접근은 당시 20세기 프랑스 음악가들이 공통적으로 보인 특징으로, 역설적이게도 외국 음악적 재료를 통해 자국의 음악 정체성을 재창조했습니다. 라벨의 음악에서 특히 주목할 재즈 요소는 래그타임(Ragtime)과 블루스(Blues)입니다. Deborah Mawer는 『French Music and Jazz in Conversation From Debussy to Brubeck』에서 래그타임을 "라벨이 재즈의 선구자로서 적절하게 역할을 부여한 첫 스타일"이라고 평가했으며, 블루스 역시 라벨의 이론에서 특별한 지위를 받을 가치가 있다고 주장했습니다.
음악세계
라벨의 음악세계를 이해하기 위해서는 그의 전반적인 작곡경향을 살펴볼 필요가 있습니다. 라벨의 음악은 새로운 화성과 음향, 이국적인 음악적 소재, 피아니스틱한 소재를 표현하는 혁신적 아이디어가 나타나는 동시에, 전통적 구조를 통한 명료함이 바탕이 됩니다. 1900년대 비평가들은 라벨의 작품 속 구성요소들을 강조하며 그의 음악을 낭만주의적 주관성에 반항하는 것으로 평가했고, 이고르 스트라빈스키(Igor Stravinsky)는 라벨을 "스위스의 시계 직공"이라고 불렀습니다. 이는 라벨 음악의 정교함과 구조적 완성도를 비유한 표현입니다.
라벨의 신고전주의적 요소는 그의 음악 형식에서 명확히 드러납니다. 그는 소나타 형식, 3부 형식(ABA′ form) 등의 전통적인 형식과 악장 구성을 사용했으며, 각 악장간의 조성 관계에서도 세심한 신고전주의적 특징을 보였습니다. 《물의 희롱》, 《소나티네》, 《현악 4중주 F장조》, 《피아노 협주곡 G장조》 등이 이러한 특징을 잘 보여주는 작품들입니다. 라벨의 음악은 일반적으로 세 시기로 분류됩니다. 1기(1890-1904)는 파리 음악원 재학 시기로 인상주의를 바탕으로 7화음, 9화음, 11화음, 감화음, 증화음 등을 통해 색채적 효과를 나타냈습니다. 2기(1905-1918)는 독자적 스타일이 확립되는 시기로 민족적·이국적 요소와 색채적 화성, 선법 사용과 모호한 조성이 나타나며, 신고전주의적 경향이 두드러집니다. 3기(1919-1937)는 개성이 완전히 확립된 시기로 인간적 감수성을 담아내며 낭만주의적 경향을 보이고, 재즈에 대한 관심이 작품에 반영됩니다.
선율 측면에서 라벨은 윤곽이 명확하고 넓은 음역대를 가진 선율을 선호했으며, 모티브의 발전보다는 선율의 반복과 연속적인 동형진행을 사용했습니다. 화성에서는 기능적 사용보다 화성감의 소리 자체에 중심을 두었고, 확고한 조성 위에 선법이나 이중조성(Bitonality), 심지어 무조성(Atonality)까지 사용하는 다양성을 보였습니다. 9화음, 11화음, 13화음을 활용했으며, 전통적 화성학에서 금지된 화음의 병진행, 복화음(Polychord), 2도로 충돌하는 음정의 사용 등 여러 기법으로 독특한 음색을 만들어냈습니다. 리듬에서는 고전주의 전통에 충실하며 선명하고 뚜렷한 리듬을 강조했습니다. 특히 파반느(Pavane), 하바네라(Habanera), 볼레로 등 스페인적 무곡 리듬을 선호했고, 5/4박 같은 비대칭적 박자도 즐겨 사용했습니다.
재즈 요소
《피아노 협주곡 G장조》는 1920년부터 작곡되기 시작해 1931년 완성된 라벨의 말기 작품입니다. 라벨은 이 작품을 작곡하면서 볼프강 아마데우스 모차르트(Wolfgang Amadeus Mozart, 1756-1791)와 카미유 생상(Camille Saint-Saëns, 1835-1921)의 협주곡에서 영감을 받았으며, 협주곡은 쾌활하며 화려해야 한다고 생각했습니다. 처음에는 '디베르티스망(Divertissement)'이라는 제목을 붙이려 했으나, 협주곡이라는 이름만으로도 작품의 성격을 충분히 표현할 수 있다고 판단해 그대로 두었습니다.
편성은 피아노, 현 5부(32명), 피콜로, 플루트, 오보에, 작은 클라리넷, 클라리넷, 2바순, 잉글리쉬 호른, 2호른, 트럼펫, 트럼본, 큰북, 작은북, 팀파니, 심벌즈, 탐탐, 채찍, 트라이앵글, 우드블록, 하프로 구성되었습니다. 관현악 규모는 크지 않지만 타악기 종류가 많은 것이 특징이며, 라벨의 초기 작품 이래 양식과 정신이 모두 종합되어 원숙한 기교와 깊은 음악적 성숙함을 보여줍니다.
1악장은 힘찬 채찍 소리와 함께 시작되어 명료하게 선율을 연주하는 피콜로, 복조성의 피아노, 독립적인 리듬체계를 가진 현 등으로 다채롭게 진행됩니다. 현파트의 확고한 리듬 위에 피콜로가 독립적인 리듬과 선율을 연주하며 대비를 이루는데, 이러한 리듬부와 선율 악기의 대조는 재즈의 특징적 요소입니다. 피아노는 오른손으로 G장조의 으뜸화음과 딸림화음을, 왼손으로는 B장조의 iii7에 유사한 화음을 연주하여 복조의 특징을 지니며 다채로운 음색을 만들어냅니다. 현파트는 2개의 화음과 주요 리듬이 번갈아 등장하면서 진행되는데, 재즈의 특징인 텐션노트로 긴장감이 강화된 화성과 오프 비트가 사용되며, 피치카토 주법으로 음색적 대비를 더욱 강조합니다. 타악기와 첼로는 작은 음량으로 트레몰로하며 긴장감과 풍성한 소리를 제공하고, 첼로의 하모닉스 기법은 음색을 더욱 다채롭게 만듭니다. 이러한 색채감을 위한 악기 주법의 실험은 재즈 음악에서 공통적으로 나타나는 특징입니다.
2악장은 1, 3악장처럼 재즈의 영향이 리듬이나 음색 면에서 뚜렷하게 나타나지는 않지만, 독립적으로 진행되는 악기들 간의 대비, 불협화음, 텐션 노트가 가미된 화성, 피아노 왼손의 지속적인 오스티나토 사용, 복리듬 등에서 재즈와 공통되는 요소를 발견할 수 있습니다. 2악장은 오케스트라 없이 피아노 독주로만 33마디 연주되는데, 왼손은 6/8박자를, 오른손은 3/4박자의 흐름을 가지고 진행되는 복리듬이 곡이 마칠 때까지 유지됩니다. 저음부의 독자적인 리듬의 오스티나토와 이와 관계없이 진행되는 선율의 대비는 재즈에서도 공통적으로 발견되는 특징입니다.
3악장은 4마디의 짧은 서주로 시작되는데 작은 북의 힘찬 트레몰로와 금관의 강한 화성 및 리듬이 인상적이며, 큰북과 콘트라베이스의 피치카토로 웅장하게 마무리됩니다. 악기 편성에서 타악기와 금관이 많이 강조되는데, 이는 재즈 악기 편성 특징 및 음색과 매우 유사합니다. 전체적으로 1악장에는 블루스의 음계가 차용된 선율, 9도 11도 등 텐션노트가 가미된 화성, 오프 비트 및 당김음의 사용, 다양한 악기 주법을 통한 다채로운 음색, 리듬 대비 등이 나타납니다.