사무엘 바버의 피아노 소나타 Op.26은 20세기 피아노 소나타의 걸작으로 꼽히는 작품중에 하나입니다. 제가 처음 이 곡을 들었을 때 느낀 점은 고전적인 소나타 형식을 따르면서도 중간중간 재즈 리듬이 불쑥 튀어나오고, 12음 기법이 스며들어 있는 구조가 낯설면서도 묘하게 설득력 있었습니다. 오늘은 바버의 피아노 소나타를 직접 분석하고 연주해보면서 제 나름의 시각을 정리해 봤습니다.
신고전주의
이 곡의 악보를 펼쳤을 때, 가장 먼저 눈에 띈 건 4악장 구성의 명확한 뼈대였습니다. 1악장은 소나타 알레그로 형식, 2악장은 론도 형식, 3악장은 3부 형식, 4악장은 푸가 형식으로 이루어져 있습니다. 여기서 소나타 알레그로 형식이란 제시부-발전부-재현부-코다로 구성되는 고전 소나타의 핵심 구조로, 서로 성격이 다른 두 주제가 대비하고 발전하는 방식을 말합니다.
직접 연주를 해보니, 1악장 제1주제의 부점 리듬과 제2주제의 서정적인 단선율이 얼마나 극적으로 대비되는지를 몸소 느끼게 되었습니다. 제1주제는 e♭ 단조로 강렬하고 단호하게 시작되고, 제2주제는 mp와 espressivo의 나타냄 말과 함께 조용히 노래하듯 흐릅니다. 이 대비를 뚜렷하게 표현하지 못하면 곡의 긴장감이 반감된다는 것을 여러 번 시행착오를 통해 알게 되었습니다.
또한 바버가 곡 전체에 걸쳐 사용한 단2도 하행 동기도 신고전주의의 통일성을 보여주는 장치입니다. 단2도 하행 동기란 반음 차이의 두 음이 내려가는 짧은 음형으로, 이 곡에서는 C♭-B♭의 진행이 1악장부터 4악장까지 리듬 확대, 음형 연속 등 다양한 방식으로 반복되면서 곡 전체에 유기적 통일감을 부여합니다. 이 동기를 의식하고 연주하는 것과 그냥 지나치는 것은 완전히 다른 결과를 낳습니다.
바버의 신고전주의적 접근을 파악하는 데 있어 핵심적인 포인트를 정리하면 다음과 같습니다.
- 4악장 구조가 고전 소나타 형식의 틀을 그대로 유지
- 단2도 하행 동기가 전 악장에 걸쳐 순환 동기로 사용
- 각 악장의 중심음이 장3도씩 이동(E♭→G→B→E♭)하여 조성감을 지지
- 재현부는 제시부와 동일한 조성으로 돌아오는 전통 방식을 따름
신고전주의(Neo-Classicism)란 1920년대 유럽에서 후기 낭만주의와 인상주의에 대한 반동으로 생겨난 흐름으로, 과거의 간결하고 객관적인 음악 형식으로 돌아가려는 경향을 말합니다. 바버는 이 흐름 속에서 스트라빈스키나 힌데미트와 함께 자주 언급되는 작곡가입니다(출처: Grove Music Online).
신낭만주의
형식이 뼈대라면, 신낭만주의적 요소는 이 곡에 살과 온도를 입히는 역할을 합니다. 제 경험상 이건 좀 다릅니다. 처음에는 신고전주의 분석에만 집중했는데, 막상 연주해보니 3악장 Adagio mesto의 서정성과 다이나믹의 극단적 대비가 청중에게 훨씬 강하게 와닿더라고요.
3악장은 12음렬을 반주에 사용하면서도 오른손에서는 반음계적인 선율이 서정적으로 흐릅니다. 12음 기법이란 옥타브를 구성하는 12개의 반음을 모두 동등하게 사용하는 작곡 방식으로, 특정 조성 중심에서 벗어나는 것이 특징입니다. 그런데 바버는 이 기법을 왼손 반주에 활용하면서 오른손 선율은 여전히 노래하듯 흐르게 배치했습니다. 이 대비 자체가 불협화음과 서정성을 동시에 만들어내는 묘한 긴장감의 원천입니다.
페달 사용도 이 악장에서 특히 중요합니다. con molto pedale(페달을 매우 풍부하게 사용하라는 지시)과 espressivo, cantando 같은 나타냄 말이 악보에 빼곡한 것을 보면, 바버가 얼마나 음향의 울림과 감정 표현을 중시했는지 알 수 있습니다. 저도 처음엔 페달을 아끼면서 연주했는데, 4박자와 2박자 단위로 과감히 겹쳐서 사용했을 때 선율이 훨씬 더 매끄럽게 흘렀습니다.
4악장 클라이맥스 직전인 87-88마디에서는 5:3 복합 리듬이 등장합니다. 복합 리듬(polyrhythm)이란 서로 다른 박자 단위가 동시에 진행되는 것으로, 이 부분에서는 한 손이 5등분, 다른 손이 3등분으로 나뉘어 움직이면서 시간적 긴장감을 극도로 끌어올립니다. 이 두 마디를 제대로 연주하려면 왼손의 동기를 살리면서 오른손의 복합 리듬이 B♭의 지속음으로 자연스럽게 수렴되는 느낌을 만들어야 하는데, 이게 쉽지 않아서 여러 날을 붙들었습니다.
재즈
이 곡에서 제가 가장 오래 씨름한 부분은 4악장이었습니다. 겉으로는 전통적인 바로크 푸가 형식이지만, 실제 연주에서 이 악장을 고전적으로만 접근하면 뭔가 밋밋하고 생기가 빠져버립니다. 바버가 재즈 리듬을 얼마나 섬세하게 녹여놓았는지를 이해하고 나서야 비로소 이 악장이 살아나기 시작했습니다.
푸가(fuga)란 하나의 주제가 여러 성부에서 돌아가며 모방되고 발전하는 바로크 대위법의 핵심 형식으로, 주제-응답-대위 선율의 구조로 이루어집니다. 바버의 4악장 푸가는 이 전통적 틀을 충실히 따르면서 전위(Inversion), 리듬 확대(Augmentation), 스트레토(Stretto) 같은 고전적 기법을 사용합니다. 전위란 원래 선율의 음정 방향을 뒤집는 것이고, 스트레토란 주제가 완전히 끝나기 전에 다른 성부에서 응답이 겹쳐 들어오는 기법입니다.
그런데 이 위에 얹힌 것이 재즈의 아티큘레이션입니다. 제가 연습하면서 가장 흥미롭고 재밌었던 부분이었는데요. 여기서 아티큘레이션(articulation)이란 음을 어떻게 이어서, 또는 끊어서 연주할지를 결정하는 주법으로, 레가토·스타카토·논 레가토·악센트 등이 여기에 해당합니다. 4악장에서는 논 레가토와 불규칙한 악센트가 핵심인데, 16분음표 4개 단위에서 마지막 음표에 강세를 주면 재즈 특유의 오프비트 느낌이 자연스럽게 살아납니다. 제가 처음엔 이 부분을 그냥 또렷하게 치는 것으로 이해했다가, 마지막 음표를 약간 길게 테누토로 짚어주는 방식을 쓰니까 확실히 리듬에 동적인 느낌이 생겼습니다.
당김음(syncopation)의 사용도 빼놓을 수 없습니다. 당김음이란 강박에 쉼표나 붙임줄을 사용해 약박의 음이 강박처럼 들리게 만드는 기법으로, 재즈의 리듬감을 구성하는 핵심 요소입니다. 2악장에서도 블루 노트가 등장하는데, 블루 노트란 블루스 음계에서 3음·5음·7음을 반음씩 낮춰 사용하는 특유의 음으로 재즈 특유의 미묘하고 우수 어린 색채를 만들어냅니다. 49마디의 E♭음이 바로 그 예입니다. 이 음을 그냥 지나치지 말고 약간의 악센트로 짚어주면 음색의 미묘한 변화가 살아납니다. 바버가 쿨 재즈(Cool Jazz)의 영향을 받았다는 점도 이 맥락에서 이해됩니다. 쿨 재즈는 1940년대 후반 미국에서 발전한 장르로, 클래식 화성과 12음 기법을 재즈에 접목시킨 세련된 스타일을 말합니다(출처: Library of Congress).
바버의 피아노 소나타 Op.26은 고전, 낭만, 재즈라는 세 개의 시대를 한 작품 안에 설득력 있게 통합한 드문 경우입니다. 개인적으로 재즈적 요소를 사용한 작곡가 카푸스틴을 좋아하는 저로서는 이 곡 또한 굉장히 흥미롭게 다가왔습니다. 이 곡을 제대로 연주하려면 형식적 통일성을 유지하면서도 각 악장이 요구하는 음색과 리듬 감각을 다르게 가져가야 합니다. 분석 없이 감으로만 치기엔 구조가 너무 치밀하고, 분석에만 기대다 보면 음악이 딱딱해집니다. 이 곡에 관심이 생겼다면 호로비츠의 1950년 소니 녹음부터 들어보시길 권합니다. 아믈랭, 폴락, 브라우닝의 연주와 비교하며 들으면 같은 악보가 얼마나 다르게 살아날 수 있는지 직접 실감하실 수 있습니다.
참고: - Barbara Heyman, 「Samuel Barber: The Composer and His Music」, Oxford University Press, 1992
- 최희정, <S. Barber Piano Sonata Op.26에 관한 분석 연구>, 국민대학교 석사학위논문, 2009
- 김원기, <19세기 이후 전통음악에 사용된 재즈기법에 관한 연구>, 청주대학교, 2008
- Grove Music Online
- Library of Congress - Jazz in Time