슈만의 「시인의 사랑」 전 16곡 중 첫 6곡만 들어도 사랑의 시작부터 설렘까지가 고스란히 담겨 있습니다. 저는 처음 이 곡을 접했을 때 피아노 반주가 노래보다 더 많은 이야기를 하고 있다는 느낌을 받았습니다. 단순히 반주가 아니라 또 하나의 목소리였던 것이죠. 하이네의 시가 가진 아이러니를 슈만이 어떻게 음악으로 풀어냈는지, 그 안에서 연주자는 무엇을 표현해야 하는지 살펴보려 합니다.
피아노 반주
슈만 가곡의 가장 큰 특징은 피아노 반주부가 성악 파트와 동등한 비중을 차지한다는 점입니다. 여기서 '동등한 비중'이란 단순히 음량이 크다는 의미가 아니라, 피아노가 독립적인 선율과 화성 진행을 통해 시의 의미를 보완하고 확장한다는 뜻입니다(출처: 한국음악학회).
제1곡 '아름다운 5월에'를 보면 전주부터 계류음과 분산화음이 사랑의 싹이 돋아나는 설렘을 표현하고 있습니다. 제5곡 '나의 마음 적시리'에서는 아르페지오 형태의 반주가 16마디 내내 이어지는데, 이 부분만 따로 떼어내도 훌륭한 피아노 소품이 될 만큼 완성도가 높습니다. 저는 실제로 이 곡을 연습하면서 반주자와 호흡을 맞추는 데 가장 많은 시간을 쏟았는데, 성악이 쉬는 구간에서도 피아노가 계속 이야기를 이어가기 때문에 서로의 영역을 존중하면서도 하나의 음악을 만들어야 했습니다.
특히 후주 부분은 성악이 다 표현하지 못한 감정을 피아노가 대신 전하는 역할을 합니다. 제6곡 '거룩한 라인강에'의 경우 16마디에 달하는 긴 후주가 있는데, 이는 시인이 라인강가에서 오르간 소리를 들으며 깊은 감상에 젖어 있는 모습을 음악으로 그려낸 것입니다. 성악이 끝났다고 해서 곡이 끝난 것이 아니라, 오히려 피아노가 여운을 길게 남기며 진짜 이야기를 마무리하는 구조입니다.
연가곡 해석
「시인의 사랑」은 총 16곡으로 구성된 연가곡(Liederkreis)입니다. 연가곡이란 여러 개의 가곡이 하나의 주제나 이야기로 연결된 형식을 의미합니다. 이 작품은 하이네의 시집 『서정적 간주곡』에서 선별한 시를 바탕으로 사랑의 시작부터 실연, 그리고 허무한 회상까지를 시간 순서대로 배치했습니다.
1번부터 6번까지는 사랑의 기쁨을 노래합니다. 조성만 봐도 단조와 장조가 교차하면서 감정의 미묘한 변화를 보여주는데, 제1곡은 f# 단조로 시작해 불안한 설렘을, 제2곡은 A 장조로 순수한 고백을, 제3곡은 D 장조로 들뜬 흥분을 표현합니다. 7번부터 14번까지는 실연의 아픔이, 마지막 15번과 16번에서는 지나간 청춘에 대한 허무함이 담겨 있습니다(출처: 한국예술종합학교 음악원).
저는 이 곡을 처음 공부할 때 6곡만 따로 떼어 연습했는데, 나중에 전곡을 들어보니 앞부분의 밝고 설레는 분위기가 뒷부분의 절망과 대비되면서 훨씬 더 강렬하게 다가왔습니다. 슈만은 의도적으로 앞부분에서 행복을 극대화해 뒷부분의 고통을 더 깊게 느끼도록 설계한 것입니다. 이런 구조를 이해하지 못하면 각 곡을 제대로 해석할 수 없습니다.
형식적으로는 대부분 2부분 형식(AB)을 취하지만, 제6곡처럼 3부분 형식(ABC)을 사용한 곡도 있습니다. 시의 내용에 따라 형식을 유연하게 변형한 것인데, 이는 고전주의 시대의 엄격한 형식미보다 시의 의미를 우선시한 낭만주의 음악의 특징입니다. 각 곡은 짧게는 16마디, 길게는 58마디로 구성되어 있으며 전주·간주·후주가 유기적으로 연결되어 있습니다.
성악 표현
성악 파트는 피아노만큼 화려하지 않지만, 시의 뉘앙스를 전달하는 핵심 역할을 합니다. 제4곡 '그대의 눈동자를 바라보며'는 레치타티보(recitativo) 기법을 사용하는데, 레치타티보란 말하듯이 노래하는 기법으로 선율보다 가사 전달에 집중하는 방식입니다. 이 곡에서 "ich liebe dich(당신을 사랑해요)"라는 고백 부분은 의도적으로 선율감을 줄이고 말하는 것처럼 표현하도록 되어 있습니다.
다이나믹 표현도 중요합니다. 제1곡은 piano로 시작해 mezzoforte를 거쳐 다시 piano로 돌아오는데, 마지막 음은 주어진 음가보다 조금 길게 끌어 불완전한 종지감을 살려야 합니다. 이는 사랑의 고백이 끝나지 않았음을, 다음 곡으로 이어질 것임을 암시하기 때문입니다. 저는 이 부분에서 호흡을 충분히 유지하지 못해 종지가 너무 급하게 끝난 적이 있는데, 반주자와 다시 맞춰보니 여운을 남기는 것이 훨씬 효과적이었습니다.
제3곡 '장미, 백합, 비둘기'는 빠른 템포에 8분음표 리듬이 반복되는 곡입니다. 이때 딕션(diction), 즉 가사 발음의 명확성이 매우 중요합니다. 독일어 자음을 정확히 발음하지 않으면 가사가 뭉개지기 쉽습니다. 특히 "Die Rose, die Lilie, die Taube, die Sonne" 부분은 정관사 'die'가 네 번 반복되는데, 각각을 또렷하게 구분해서 불러야 네 가지 대상이 선명하게 전달됩니다.
성악에서 자주 사용되는 테크닉 중 하나가 레가토(legato)입니다. 레가토란 음과 음을 끊지 않고 부드럽게 이어 부르는 기법으로, 제5곡에서는 전체적으로 레가토를 유지하면서 백합꽃 속에 마음을 담그는 듯한 분위기를 살려야 합니다. 반대로 제3곡에서는 스타카토(staccato)와 레가토가 교차하면서 심장이 뛰는 설렘과 비둘기가 모이를 쪼는 소리를 동시에 표현합니다.
화성 진행
슈만은 화성을 통해 시의 분위기를 시각화하고 청각화했습니다. 일반적으로 곡은 으뜸화음(tonic, I)으로 시작하지만, 제1곡과 제5곡은 버금딸림화음(subdominant, IV) 또는 ii화음으로 시작합니다. 이는 안정감보다 떠다니는 듯한 불안정한 느낌을 주기 위한 의도입니다. 사랑의 설렘은 확실하지 않고 어딘가 불안한 감정이기 때문입니다.
부속화음(secondary dominant)도 자주 등장합니다. 부속화음이란 주요 3화음(I, IV, V) 이외의 화음에 딸림화음 기능을 부여한 것으로, 일시적인 전조 효과를 만들어 화성의 색채를 풍부하게 합니다. 제2곡 12마디에서는 부속7화음을 사용해 종달새의 지저귐을 묘사하면서 동시에 감정의 미묘한 변화를 표현합니다.
제6곡에서는 나폴리 6화음(Neapolitan 6th chord)이 나타납니다. 나폴리 6화음이란 단조에서 ii도 음을 반음 내려 bII6 형태로 만든 화음으로, 극적이고 어두운 색채를 더해줍니다. 이 곡은 라인강과 쾰른 대성당이라는 장엄한 배경을 그리기 위해 종교적이고 무게감 있는 화성을 사용했는데, 나폴리 6화음은 그 절정을 만드는 역할을 합니다.
종지(cadence) 처리도 독특합니다. 제1곡은 반종지(half cadence)로 끝나 다음 곡으로 이어지는 느낌을 주고, 제4곡은 변격종지(plagal cadence, IV-I)로 차분히 마무리합니다. 일반적인 정격종지(authentic cadence, V-I)를 피하고 다양한 종지를 사용함으로써 각 곡마다 다른 여운을 남깁니다.
슈만의 「시인의 사랑」 첫 6곡은 사랑의 시작을 노래하지만, 그 안에는 이미 불안과 예감이 섞여 있습니다. 피아노 반주는 단순한 배경이 아니라 시인의 내면을 대변하는 또 하나의 목소리이고, 성악은 시의 언어를 음악으로 번역하는 통로입니다. 저는 이 곡들을 공부하면서 음표 하나, 쉼표 하나에도 슈만의 의도가 담겨 있다는 것을 깨달았습니다. 연주자는 악보에 적힌 기호를 소리로 옮기는 사람이 아니라, 작곡가와 시인 사이에서 그들의 감정을 청중에게 전달하는 번역자입니다. 이 곡을 연주하려는 분이라면 단순히 음을 정확히 내는 것을 넘어, 하이네가 느낀 사랑과 슈만이 표현한 음악의 결을 함께 느껴보시길 권합니다.
참고: 논문