클래식 음악에서 협주곡은 독주자와 오케스트라가 만들어내는 가장 극적인 장르입니다. 협주곡(콘체르토)은 단순히 '함께 연주하는' 합주와는 달리, '서로 돕는다'는 의미의 도울 협(協)자를 사용합니다. 솔리스트가 무대 앞에서 화려한 기교를 펼치고 오케스트라가 이를 받쳐주는 형태는 시대에 따라 끊임없이 변화해왔습니다. 오늘날 우리가 듣는 협주곡의 형태를 이해하기 위해서는 바로크 시대부터 현대까지의 발전 과정을 살펴볼 필요가 있습니다.
바로크 시대
바로크 시대의 협주곡은 오늘날 우리가 익숙한 형태와는 상당히 달랐습니다. 당시에는 솔리스트가 무대 앞에 따로 서지 않고 오케스트라 안에 포함되어 연주하는 경우가 많았습니다. 각 파트의 수석 연주자들이 중간중간 솔로를 연주하다가 다시 전체 연주에 합류하는 방식이었습니다. 이를 합주 협주곡, 원어로는 '콘체르토 그로소'라고 부릅니다.
바로크 시대에는 여러 개의 선율이 동시에 움직이는 다성 음악이 유행했습니다. 이러한 다성 음악의 특성상 여러 선율이 한꺼번에 들리기 때문에 일반 청중들이 명확한 멜로디를 기억하기 어려웠습니다. 비발디를 비롯한 바로크 작곡가들은 이러한 형식을 많이 사용했으며, 관악기를 포함한 여러 악기가 교대로 솔로를 맡는 구조를 만들어냈습니다. 특정 악기만이 솔로를 담당하는 것이 아니라 여러 대의 악기가 번갈아 나오는 것이 바로크 협주곡의 핵심이었습니다.
실제 연주 현장에서 바로크 시대의 협주곡을 접할 때, 이러한 역사적 배경을 이해하고 있다면 각 악기 파트 간의 대화와 상호작용을 더욱 섬세하게 감상할 수 있습니다. 솔리스트와 오케스트라의 명확한 구분보다는 전체 앙상블의 조화로운 어우러짐에 집중하는 것이 바로크 협주곡 감상의 핵심입니다.
낭만파 시대의 화려한 기교
고전파 시대를 거쳐 낭만파 시대에 이르면 협주곡의 형태가 극적으로 변화합니다. 선율을 명확히 하기 위해 한 멜로디가 존재하고 나머지 악기들이 반주하는 형태가 두드러지게 되었습니다. 모차르트의 바이올린 협주곡 5번은 고전파 시대 협주곡의 완성형을 보여줍니다. 이 곡은 모든 바이올린 학생들이 거쳐가는 필수 레퍼토리로, 깨끗하고 부드러운 연주가 요구됩니다. 모차르트가 '잘츠부르크의 바이올린'이라는 별명을 가질 정도로 바이올린을 잘 다뤘기 때문에, 그의 협주곡은 기교보다는 음악적 순수함을 중시합니다. 3악장에 등장하는 터키풍의 행진곡은 당시 오스트리아인들에게 이국적인 매력을 선사했습니다.
낭만파 시대에는 파가니니와 같은 연주자들이 등장하면서 화려한 기교가 과시되기 시작했습니다. 쇼팽 역시 피아니스트였기 때문에 피아노가 앞에서 많은 역할을 하는 협주곡을 만들어냈습니다. 이 시기의 협주곡은 솔리스트의 기교 과시가 두드러지고 오케스트라는 상대적으로 심플한 반주 역할로 전락하는 경향이 있었습니다. 멘델스존의 바이올린 협주곡은 이러한 낭만파 협주곡의 꽃으로 불립니다. 세 악장이 쉬지 않고 이어지며 약 30분간 연주되는 이 곡은 너무나도 아름다운 멜로디로 가득합니다.
차이콥스키의 바이올린 협주곡은 처음에는 연주 불가능하다는 평가를 받았지만, 지금은 가장 사랑받는 레퍼토리 중 하나입니다. 저음에서 시작해 고음으로 자유롭게 오가는 선율과 오케스트라의 웅장한 화음이 어우러지는 부분은 청중들에게 깊은 감동을 선사합니다. 이러한 낭만파 협주곡을 연주할 때 솔리스트는 기교뿐만 아니라 작곡가의 의도에 따라 음색을 변화시키는 능력이 필요합니다.
현대 오케스트라의 역할 변화
20세기에 들어서면서 협주곡의 구조는 다시 한번 큰 변화를 겪습니다. 작곡가들은 "왜 오케스트라가 단순한 반주로만 전락해야 하는가"라는 질문을 던지기 시작했습니다. 그 많은 연주자들을 더 중요한 역할로 활용하기 위해 솔리스트와 오케스트라 간의 균등한 배분이 이루어졌습니다. 복잡한 화음들과 불협 화음, 이전에는 사용하지 않았던 악기들이 등장하면서 협주곡은 더욱 복잡해졌습니다.
드보르작의 첼로 협주곡은 이러한 변화의 대표적인 예입니다. 첼로는 저음 악기이기 때문에 오케스트라 소리를 뚫고 나오기 어렵다는 선입견이 있었지만, 드보르작은 첼로를 고음까지 끌어올리고 엄청난 기교를 부여하면서도 음악성을 잃지 않았습니다. 브람스조차 "내가 첼로 협주곡이 저 정도가 될 줄 알았으면 쓸 걸"이라고 감탄했을 정도입니다. 3악장에서 첼로와 오케스트라가 대화하듯 주고받는 부분은 기교와 서정성이 완벽하게 조화를 이룹니다. 마지막 부분에서 화려하게 끝날 것 같다가 천천히 감성적으로 마무리되는 엔딩은 청중들에게 깊은 여운을 남깁니다.
현대 협주곡에서는 앞에 있는 솔리스트도 어렵고 뒤에 있는 오케스트라도 어려운 구조가 일반적입니다. 오케스트라 단원들 입장에서 20세기 이후의 협주곡은 반주가 아닌 또 하나의 주역이 되었기 때문에 부담이 큽니다. 규모를 줄이고 실내악적 요소를 가미하거나, 서로 다른 그룹이 도와주는 형태로 다양하게 발전했습니다. 오늘날 연주 현장에서 솔리스트와 오케스트라의 밸런스를 조절하는 것은 지휘자와 연주자들의 가장 큰 숙제입니다.
협주곡은 시대마다 그 시대의 음악적 요구와 미학을 반영하며 진화해왔습니다. 바로크 시대의 합주 협주곡에서 시작해 낭만파의 화려한 기교 중심 구조를 거쳐, 현대의 균형 잡힌 구조로 발전한 과정을 이해한다면 실제 연주를 감상할 때 더욱 풍부한 경험을 할 수 있습니다. 작곡가의 의도와 시대적 배경을 알고 있을 때, 솔리스트가 펼치는 음색의 변화와 오케스트라와의 상호작용을 더욱 깊이 있게 느낄 수 있을 것입니다.
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**[출처]**
영상 제목/채널명: EBSCulture (EBS 교양)