히나스테라의 피아노 소나타 1번은 1952년 피츠버그 국제현대음악축제를 위해 작곡되었습니다. 히나스테라가 자신만의 음악 언어를 완성해가던 주관적 국민주의 시기의 대표작이라고 할 수 있는데요, 이 피아노 소나타 1번을 깊이 파고들수록, 이 곡이 단순히 기교를 뽐내는 작품이 아니라 아르헨티나의 뜨거운 민속 정서와 20세기 현대 음악 기법이 절묘하게 결합된 걸작이라는 것을 느낄 수 있습니다.
음악양식 : 민속과 현대의 만남
히나스테라의 음악을 이해하려면 그가 살았던 시대적 배경을 빼놓을 수 없습니다. 1945년 페론 독재 정권 하에서 그는 국립음악원 교장직을 박탈당하고 미국으로 망명해야 했죠. 이 시기 그는 미국에서 12음기법(Twelve-tone technique)과 복조성 같은 현대 음악 기법을 접하게 됩니다. 여기서 12음기법이란 한 옥타브 안의 12개 반음을 특정 순서로 배열해 선율을 만드는 작곡 방식을 의미합니다. 쇤베르크가 창시한 이 기법은 전통적인 조성 체계에서 완전히 벗어나 새로운 음악 언어를 가능하게 했습니다.
제가 실제로 이 소나타 2악장을 연습하면서 가장 흥미로웠던 부분이 바로 이 지점입니다. 히나스테라는 12음렬을 사용하면서도 아르헨티나 가우초 음악의 마람보 리듬을 지속적으로 깔아놓았거든요. 마람보 리듬은 ♪♪♪ ♪♪♪ 패턴의 6/8박자 리듬으로, 아르헨티나 팜파스 지역 민속춤에서 유래한 것입니다. 이 리듬 위에 12음렬이 얹혀지니, 전위적이면서도 어딘가 뜨겁고 역동적인 독특한 사운드가 만들어집니다.
그의 작품 시기는 크게 세 단계로 나뉩니다:
- 객관적 국민주의(1937-1947): 민속 선율을 직접 인용하던 초기
- 주관적 국민주의(1948-1957): 민속 요소를 자신만의 어법으로 재해석
- 신표현주의(1958-1983): 민속 색채를 배제하고 순수 현대 기법 추구
피아노 소나타 1번은 두 번째 시기에 속하는데, 이 시기 작품들의 가장 큰 특징은 민속 음악을 그대로 베끼지 않고 본질만 추출해 현대적으로 재구성한다는 점입니다. 1악장에서 계속 등장하는 5음 음계 선율을 들어보면, 이것이 잉카 음악에서 온 것임을 알 수 있지만 히나스테라는 이 선율에 복조성과 불협화음을 입혀 전혀 다른 색깔을 만들어냅니다(출처: 국립국악원 음악자료).
제 경험상 이 곡을 칠 때 가장 중요한 건 리듬입니다. 헤미올라(hemiola)라는 기법이 자주 등장하는데, 이는 2박과 3박이 교차하며 강세가 바뀌는 리듬 패턴을 뜻합니다. 예를 들어 6/8박자 안에서 3+3이 아닌 2+2+2로 느껴지게 만드는 거죠. 이런 리듬적 불안정성이 아르헨티나 민속 음악의 즉흥성과 열정을 표현하는 핵심입니다.
실전 연주법 : 타악기처럼 다루는 피아노
이 곡을 실제로 무대에서 연주하려면 피아노를 타악기처럼 다뤄야 합니다. 4악장의 시작 부분을 보면 작곡가가 'Ruvido ed ostinato(거칠고 집요하게)'라고 적어놨는데, 이건 그냥 빠르게 치라는 게 아니라 건반을 때리듯 공격적으로 치라는 의미입니다. 사실 이런 곡들은 저에게 있어 수월했습니다. 저의 터치는 직관적이어서 특히 트럼펫같은 악기를 반주할때 적합했거든요. 하지만 무작정 손가락 힘만으로 치려다 금방 지쳐버리고 말았답니다. 교수님께 레슨을 받으면서 어깨를 완전히 이완시키고 팔 전체의 무게를 건반에 실으니, 힘은 덜 들면서도 훨씬 깊고 울림 있는 소리가 났습니다.
특히 군집화음(cluster chord) 부분은 손바닥이나 팔뚝으로 여러 음을 한꺼번에 눌러야 하는데, 이 기법은 미국 작곡가 카웰이 이론화한 현대 음악 주법입니다. 군집화음이란 서로 인접한 여러 음을 동시에 울려 화음이 아닌 음향 덩어리를 만드는 기법을 말합니다. 1악장 발전부와 4악장 코다에서 이 기법이 집중적으로 나타나는데, 단순히 시끄러운 소리를 내는 게 아니라 그 안에서도 베이스 라인을 확실히 들려줘야 음악이 산만해지지 않습니다.
3악장은 완전히 다른 접근이 필요합니다. 이 악장은 소프트 페달을 계속 밟고 연주하는데, 저는 이 부분에서 인상주의적 색채감을 많이 느꼈습니다. 드뷔시의 작품을 연상시키는 몽환적인 분산화음과 즉흥적인 카덴차가 등장하죠. 히나스테라는 이걸 소나타 안에 삽입해 자유로운 서정성을 더했습니다.
연주할 때 가장 신경 쓴 부분은 프레이징입니다. 2마디 단위로 짧게 끊어지는 악구들을 어떻게 큰 호흡으로 연결하느냐가 관건이었어요. 특히 1악장 제1주제 부분에서 마디 1-2, 3-4, 5-8을 각각 작은 프레이즈로 보되 이걸 하나의 큰 흐름으로 이어가려면, 손목의 자연스러운 오르내림과 손가락 터치의 일관성이 필수입니다. 저는 손목을 마지막 음에서 살짝 올려주는 방식으로 프레이즈 끝에 자연스러운 디미누엔도를 만들었습니다.
페달링도 까다롭습니다. 불협화음이 많아서 풀로 페달을 밟으면 음향이 지저분해지거든요. 그래서 저는 비화성적인 구간에선 1/4 페달을 주로 썼습니다. 1/4 페달이란 댐퍼 페달을 끝까지 밟지 않고 1/4 지점까지만 밟아 잔향은 살리되 음들이 과도하게 섞이지 않게 하는 기법입니다. 특히 3악장의 레가토 구간에서 이 페달링이 효과적이었습니다(출처: 한국음악학회).
운지법도 중요합니다. 4악장 B부분에서 오른손 1번 손가락으로 D음을 계속 연타하면서 나머지 손가락으로 반음계 선율을 쳐야 하는 부분이 있는데, 저는 4-3-4-3 같은 비전통적인 운지법을 썼습니다. 쇼팽도 셋째 손가락이 넷째 손가락 위로 넘어가는 '금기'를 깨고 자신만의 운지법을 개발했죠. 제 손 모양에 맞는 운지법을 찾으니 프레이즈가 훨씬 매끄럽게 연결되었습니다.
히나스테라의 피아노 소나타 1번은 단순히 어려운 곡이 아니라, 연주자에게 아르헨티나의 뜨거운 대지와 20세기 현대 음악의 실험정신을 동시에 체험하게 만드는 작품입니다. 민속 리듬의 생동감과 12음기법의 지적 구성, 타악기적 터치와 서정적인 노래, 이 모든 대비를 하나의 음악적 언어로 통합해낸 히나스테라의 천재성이 놀랍습니다. 이 곡을 준비하는 분들께는, 악보 분석만큼이나 실제 아르헨티나 민속 음악을 들어보고 그 리듬과 정서를 몸으로 느껴보시길 권합니다. 그래야 단순한 음표 나열이 아닌, 살아 숨 쉬는 음악을 만들 수 있으니까요.